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Curatore con una formazione in filosofia, archeologia e storia dell’arte, Andrea Bellini ha costantemente sfidato i format curatoriali tradizionali attraverso strategie performative, media sperimentali basati sul tempo e collaborazioni interistituzionali. Questa intervista esplora le filosofie curatoriali di Bellini, il mutevole status del curatore nell’arte contemporanea e la sua visione delle future modalità espositive.

Dal 2012 Andrea Bellini (1971) è direttore del Centre d’Art Contemporain Genève, dove nel 2014 ha rilanciato la Biennale de l’Image en Mouvement puntando sulla ricerca e sulla produzione. Ex caporedattore di Flash Art a New York, direttore della fiera Artissima di Torino e co-direttore del Castello di Rivoli, è stato curatore del Padiglione svizzero alla Biennale di Venezia del 2024. Gli abbiamo posto alcune domande sul suo approccio alla curatela.

Nel 2014 hai radicalmente rivisto la Biennale de l’Image en Mouvement, chiedendo ai partecipanti di creare opere del tutto nuove invece di presentare quelle già esistenti. Dato che questo modello richiede due anni di sviluppo per ogni opera, in che modo ridefinisce il processo curatoriale e il tuo rapporto con gli artisti?
Ho trasformato la Biennale de l’Image en Mouvement di Ginevra da una semplice mostra a una piattaforma di produzione proprio perché sentivo il bisogno (sia a livello umano che intellettuale) di stabilire un nuovo modo di lavorare con gli artisti. Non sopportavo più il cinismo delle grandi mostre curatoriali. Questo è anche il motivo per cui ho abbandonato le mostre tematiche. Perché costringere decine di opere d’arte diverse entro un particolare filtro tematico? Volevo dare carta bianca a un piccolo gruppo di artisti (tra i 15 e i 28), lavorare con loro per due anni per creare qualcosa di completamente nuovo, realizzare una mostra inaspettata. Se vuoi sorprendere il pubblico, devi prima sorprendere te stesso. Il mio limite come curatore sono io stesso: le mie nozioni preesistenti, i miei pregiudizi, la mia banalità, la mia pomposità.

L’edizione 2024 della Biennale, intitolata A Cosmic Movie Camera, ha esplorato i temi dell’intelligenza artificiale, dei media invisibili e dello spazio immaginario. In che modo questi concetti hanno influenzato la costruzione narrativa della mostra e quali nuove responsabilità ha comportato questo per te come curatore?
La co-curatrice della mostra Nora Kahn e io ci siamo limitati a selezionare gli artisti. Non volevamo imporre alcuna idea preconcetta sull’intelligenza artificiale agli artisti o agli spettatori. Il nostro obiettivo era quello di lasciare che fossero le opere a parlare da sole. Ritengo che la mia responsabilità come curatore sia quella di fare un passo indietro e aiutare gli artisti a creare qualcosa di importante per loro e, si spera, anche per noi.

Lei ha parlato con ammirazione dei curatori che creano “condizioni di possibilità” piuttosto che dettare i contenuti. In che modo questo approccio ha plasmato l’esperienza spaziale e temporale delle sue mostre, in particolare quelle che coinvolgono opere commissionate di recente?
È ovviamente possibile organizzare eccellenti mostre collettive su un tema specifico. Non voglio essere frainteso su questo punto. Ma, con decine di biennali internazionali, questo gioco è diventato un po’ noioso e prevedibile. Le buone idee sono così rare e tutto nel mondo dell’arte rischia di diventare un cliché, una sorta di parodia. Ecco perché ho voluto concentrare la Biennale di Ginevra sulla produzione di opere d’arte completamente nuove. Questo mi ha dato l’opportunità di instaurare relazioni intense e durature con gli artisti.

ANDREA BELLINI E LA CURATELA

Hai spesso adottato format alternativi che vanno oltre il tradizionale white cube, tra cui performance, immagini in movimento e collaborazioni interdisciplinari. Come vedi l’evoluzione del ruolo del curatore nel coinvolgere un pubblico più ampio al di fuori delle mura delle istituzioni artistiche?
Penso che i curatori, come gli artisti, dovrebbero andare in tutte le direzioni. Ognuno lavora secondo la propria sensibilità e le proprie inclinazioni. C’è spazio per tutti, sia all’interno che all’esterno delle istituzioni. Ovviamente, vedo con grande favore coloro che lavorano per introdurre l’arte contemporanea nello spazio pubblico e per portarla a persone che non fanno necessariamente parte del “mondo dell’arte”. In questo senso, penso che il protocollo dei Nouveau Commanditaires creato dall’artista belga François Hers sia davvero straordinario e dovrebbe diffondersi in ogni angolo del mondo. Per chi volesse dargli un’occhiata, eccolo qui: http://www.nouveauxcommanditaires.eu/en/44/protocol.

Per celebrare il cinquantesimo anniversario del Centre d’Art Contemporain Genève, avete organizzato un progetto incentrato sul concetto di “dono”, che prevede la distribuzione al pubblico di cataloghi e materiale stampato in edizione limitata. Come vedete questo gesto in relazione alla memoria istituzionale e al coinvolgimento del pubblico nell’arte contemporanea?
Sì, il dono. Non è una grande idea condividere cataloghi, poster e cimeli con il proprio pubblico? Basta insegnare in una scuola d’arte e interagire con ventenni per capire che ciò di cui c’è più bisogno oggi è la tenerezza. Può sembrare un cliché, ma ci credo davvero.

Con la chiusura dell’edificio principale del Centre d’Art Contemporain Genève per lavori di ristrutturazione fino al 2029, l’istituzione ha provvisoriamente trasferito le proprie attività in sedi temporanee o digitali. Quali possibilità e limiti curatoriali sono emersi da questa transizione spaziale?
Ogni limitazione crea spazio per l’invenzione e il movimento. È una legge dell’evoluzione: adattarsi e sopravvivere. L’assenza temporanea di una sede fisica per ospitare mostre ha spinto me e il giovane filosofo Federico Campagna a ideare AGORA, una scuola online gratuita e accessibile che riunisce i poteri trasformativi dell’arte e della filosofia per reimmaginare il mondo. Con una borsa di studio per otto studenti e risorse universalmente accessibili, AGORA incoraggia il pensiero creativo oltre i confini accademici convenzionali. Abbiamo anche avviato una serie di importanti collaborazioni con la Kunsthalle Basel, il MAXXI di Roma e lo spazio no profit Pivô di San Paolo, in Brasile. Abbiamo persino affittato uno spazio commerciale a Ginevra (precedentemente sede di un negozio di occhiali). L’idea è quella di allestire una serie di mostre speciali, una sorta di Wunderkammer mobile, con cui dimostreremo che nell’arte la grandezza di un’idea non va necessariamente di pari passo con le dimensioni dell’opera. Vedremo!

IL FUTURO DELLA BIENNALE DE L’IMAGE EN MOUVEMENT

Nell’ottobre 2026, il Centre d’Art Contemporain Genève farà il suo debutto in Tunisia con una selezione di opere della Biennale de l’Image en Mouvement 2026, BIM’26, che lei sta curando insieme a Lina Lazaar. Come intende mantenere la continuità concettuale dell’istituzione adattandosi al nuovo contesto culturale?
Il fatto che la prossima edizione della Biennale si terrà in Tunisia non cambia la nostra idea di fondo: fornire agli artisti denaro e sostegno affinché possano creare qualcosa di rilevante per loro e, naturalmente, per gli spettatori. 

Guardando al domani, quali temi o esperimenti curatoriali ti interessano maggiormente? Ci sono progetti futuri che evidenziano una nuova direzione nel tuo approccio alla curatela?
Con l’avanzare dell’età, la sensazione di aver guadagnato molto dalla vita e dall’arte diventa sempre più forte. E con essa arriva la consapevolezza che potrei perdere tutto in un istante. Una cosa che mi piace molto fare in questo momento è scrivere, ma non saggi d’arte: sto scrivendo romanzi e libri per bambini. Può sembrare un po’ un cliché, ma trovo che dedicare ogni giorno del tempo a qualcosa di creativo arricchisca il mio lavoro con gli artisti. Per quanto riguarda il futuro, vorrei prendermi più cura di me stesso e delle persone che mi circondano.

Avendo ricoperto incarichi in istituzioni in Italia, Stati Uniti e Svizzera, in che modo ogni contesto culturale e istituzionale ha influenzato le tue strategie curatoriali, dalla selezione degli artisti che esponi alla progettazione delle mostre?
Non parlerò dell’influenza di alcuna istituzione in particolare sulla mia visione. La vita è un viaggio, giusto? Professionalmente, sono molto diverso dalla persona che ero più di 25 anni fa, quando vagavo per New York alla ricerca di mostre di cui scrivere per Flash Art. L’importante è saper cambiare, rimanere aperti mentalmente, non restare ancorati al proprio ego e alle proprie vecchie idee. Questa è la più grande avventura e l’impegno più sfidante.

Mina Baniahmadi

https://centre.ch/en/

Tradotto dall’inglese con l’IA